Além dos fantásticos timbres de pianos acústicos, muito tem se comentado sobre a capacidade espetacular que os teclados Nord possuem de “emular” as características reais de instrumentos vintages, tanto no som, como também no comportamento dos controles, dando ao músico a sensação de estar utilizando o instrumento original.

Esse é o caso por exemplo, do ÓRGÃO HAMMOND (o Nord é reconhecido como o melhor *clonewheel do mercado), o SYNCLAVIER, FENDER RHODES, MELLOTRON, MINIMOOG, entre outros. No entanto, quem foram essas lendas? Procurei resumir neste post um breve histórico de alguns, e separei exemplos musicais para ficar fácil de identificar.

Espero que gostem:

1. O MELLOTRON

Embora não seja tão famoso quanto os outros teclados desta lista, o Mellotron é talvez o teclado mais interessante, por ser o “pai” dos samplers atuais. Sim, sampler, mas no início dos anos 60, as amostras eram gravadas analogicamente em fitas magnéticas. Ao pressionar uma tecla, um tecladista estava na realidade acionando o “play” em uma fita de, digamos, um coro ou uma seção de violino. Assim, cada uma das teclas acionava sua própria fita magnética de 8 segundo.

O Mellotron não chegou a se popularizar. Além de apresentar defeitos constantemente e perder qualidade (já que tocar uma fita cassete de 8 segundos repetidamente em um loop por horas a fio, rapidamente gerava arranhões e ruidos), a utilização de fitas magnéticas, assim como fitas cassete, caiu em desuso.

Mas foi um dos teclados mais musicais de todos os tempos. Seu som é inconfundível. O quarteto de flauta de “Strawberry Fields Forever”, dos Beatle, é um exemplo clássico do som do Mellotron. As cordas exuberantes de “Nights in White Satin” de Moody Blues, também não são reais! Bem, tecnicamente são, mas foram gravadas inicialmente como amostras e depois reproduzidas no Mellotron.

Ouça também “And You and I” do Yes, e “The Rain Song” de Led Zeppelin, para conferir outros clássicos gravados com Mellotron.

2. O ÓRGÃO HAMMOND

Originalmente destinado a igrejas, a linha de órgãos Hammond, inventado por Laurens Hammond em 1934 e fabricado pela Hammond Organ Company, tornou-se muito popular nos anos 60 e 70, com bandas de rock e blues, especialmente o Hammond B3. Independente de conhecer ou não o Hammond, você definitivamente já ouviu o seu som lendário.

O Hammond é um desses instrumentos que possui a capacidade de definir completamente algumas músicas, como é o caso de “Gimme Some Lovin” de Steve Winwood. Sons como “A Whiter Shade of Pale” de Procol Harum, não seria o mesmo sem aquela maravilhosa progressão de acordes feita em um Hammond.

Na verdade poderíamos desperdiçar parágrafos e parágrafos enumerando canções gravadas com Hammond, pois talvez de cada 10 sons de órgão gravados na segunda metade do século XX, 9 são de Hammond ou de seus clones.

“Órgão Clonewheel” é um jargão utilizado para se referir a um instrumento musical eletrônico que simula (ou “clona”) o som dos órgãos baseados em tonewheel eletromecânicos, anteriormente fabricados pela Hammond.

3. O MINIMOOG

Muito tem sido escrito e falado sobre Bob Moog e o seu primeiro sintetizador portátil da história. O Minimoog, embora monofônico, revolucionou a produção musical, abrindo espaço para uma nova era de sons texturizados e eletrônicos, marcando sobretudo gêneros como o Rock progressivo nos anos 60 e 70, o POP e a música eletrônica. Foi também um dos primeiros teclados com a roda de modulação e o pitch-bend, agora onipresentes.

Um dos meus exemplos favoritos do clássico Minimoog é o solo de “Shine on You Crazy Diamond”, de Pink Floyd

4 – O FENDER RHODES

Harold Rhodes era um professor de piano antes de ingressar na Força Aérea do Exército durante a Segunda Guerra Mundial. Foi lá que ele foi convidado a fornecer terapia musical para os feridos e acabou inventando um pequeno teclado, utilizando tubos de alumínio das asas dos bombardeiros B-17.

Ao longo dos anos 70 e 80, o som do piano Rhodes se tornaria constante em dezenas de baladas sentimentais, funks, jazz, rock, e até na Bossa-Nova brasileira. Os tubos criavam um som agradável, e as sessões de terapia Rhodes se tornaram conhecidas, e logo ele começou a fabricar uma versão maior e com novas melhorias.

Posteriormente, o projeto foi comprado pela Fender, e por isso as pessoas passaram a chamá-lo de Fender Rhodes.

O Rhodes foi usado e abusado em álbuns como “Light as a Feather” de Chick Corea, “Silent Way e Bitches Brew” de Miles Davis, e na maioria dos álbuns de Herbie Hancock. Foi praticamente um padrão no Jazz-fusion. Cesar Camargo Mariano abrasileirou o som do Rhodes no Álbum Elis & Tom, e vários outros artistas o incorporaram também em produções nacionais.

Outros exemplos clássicos: “Just the Way You Are” de Billy Joel e “Angela” de Bob James.

5 – Farfisa feita em Ancona, Itália

A Farfisa começou a fabricar órgãos eletrônicos em 1964. A Distribuição nos EUA foi feita pelo Chicago Musical Instrument Co, que também era dono de Gibson, e os instrumentos foram originalmente conhecidos como órgãos CMI quando introduzido pela primeira vez.

Ao contrário de outros órgãos combos, tais como o Vox Continental, os órgãos Farfisa tinham as “pernas” integrados, que podiam ser dobradas para cima e armazenados dentro de sua base. Os primeiros modelos a serem produzidos foram a série Compact de órgãos entre 1964 e 1968. Os FASA (Farfisa All-Silicon transistorizados) foram lançados em 1968 na NAMM show, e a produção da série Profissional aconteceu mais ou menos ao mesmo tempo. A Produção de combos terminou no final de 1970 quando os sintetizadores haviam se tornado mais comuns.

Detalhe: O Som de Farfisa na página da  Wikipédia foi em realidade  amostrados em um Nord Stage.

Um dos primeiros organistas de rock que tocaram e destacaram o Farfisa foi Domingo Zamudio, mais conhecido como “Sam the Sham”, do grupo Os Faraós. Depois muitos outros vieram. A versão 1967 do “Second Best” pelo The Sponge Household apresenta um Farfisa Compact, interpretado por Geoff Wright. Pedra Sly de Sly and the Family Stone tocaram com um Farfisa em 1969 no Woodstock Festival, e também John Paul Jones do Led Zeppelin utilizou um Farfisa em “Dancing Days” de Houses of the Holy.

6 – Vox Continental

Uma lenda que o som já fala mais do que qualquer palavra. O instrumento ficou fortemente associado com Rock & Roll dos anos 1960, pois foi usado por artistas como Alan Price do The Animals, Mike Smith do The Dave Clark Five e Ray Manzarek do The Doors. Canções famosas que caracterizam a Vox Continental incluem: (*entre vários outros)

• “House of the Rising Sun” (1964) by The Animals
• “Because” (1964) by The Dave Clark Five
• “California Sun” (1964) by The Rivieras
• “She’s About a Mover” (1965) by the Sir Douglas Quintet
• “Pushin’ Too Hard” (1965) by The Seeds
• “Woman” (1965) by The Zombies
• “I’m Down” (1965) by The Beatles
• “96 Tears” (1966) by Question Mark and the Mysterians
  
• “I’m a Believer” (1966) by The Monkees
• “Hungry” (1966) by Paul Revere and The Raiders
• “(We Ain’t Got) Nothin’ Yet” (1966) by the Blues Magoos
• “Working My Way Back to You” (1966) by The Four Seasons
• “If You Gotta Go, Go Now” and “Absolutely Sweet Marie” (1966) by Bob Dylan, who also played the Connie on the 1979 tour for his album Slow Train Coming
• “Light My Fire” and “The Crystal Ship” (1967) by The Doors
• “The Rains Came” (1966) and “Mendocino” (1968) by the Sir Douglas Quintet
• “Sister Ray” (1968) by The Velvet Underground
• “In-A-Gadda-Da-Vida” (1968) by Iron Butterfly
• “Don’t Do Me Like That” (1979) by Tom Petty and the Heartbreakers
• “Some of My Lies Are True (Sooner or Later)” and “Don’t Ever Tell Me That You Love Me” (1980) by Huey Lewis and the News
• “Why Does the Sun Shine? (The Sun Is a Mass of Incandescent Gas)” (1993) by They Might Be Giants
• “Budapest” (2014) by George Ezra^[2]

Fonte: http://en.wikipedia.org/wiki/Vox_Continental

Utilizem os comentários para dar mais dicas sobre esse tema e comentar outras lendas que a Nord nos oferece.

Jobert Gaigher

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Vamos agora, analisar as cores dos drawbars: marrom, branco e preto.

Basicamente temos nove drawbars nas seguintes cores (da esquerda para a direita): marrom, marrom, branco, branco, preto, branco, preto, preto, branco.

Os drawbars brancos nos dão as notas tônicas. Cada drawbar branco (mais o primeiro marrom) pode ser combinado para um total de seis oitavas soando enquanto apenas uma nota é pressionada! Sim, ao tocar um acorde de três notas com estes drawbars, você ouve 18 notas ao mesmo tempo!

Os drawbars negros, conhecidos como os harmônicos, são o que fornecem a cor ou dissonância com o tom. Os drawbars negros, juntamente com o segundo drawbar marrom, irão preencher o som para criar os sons de órgãos típicos.

O primeiro drawbar branco é o tom fundamental (ou 8′).

Os dois drawbars marrons à esquerda estão abaixo do tom fundamental. O primeiro é uma oitava inferior (16′) e o segundo é uma quinta acima desta (5 1/3′).

Os drawbars brancos estão todos no mesmo tom, com o primeiro sendo o fundamental, o segundo uma oitava acima (4′), o terceiro duas oitavas acima (2′) e o quarto três oitavas mais altas (1′).

Os drawbars negros irão gerar os harmônicos: A 12ª acima da fundamental (2 2/3′), a 17ª acima da fundamental (1 3/5′) e a 19ª acima da fundamental (1 1/3′).

Outra forma de entender as drawbars é a pensar neles em três categorias distintas. Os Sub-drawbars, Foundation-drawbars e Brilliance-drawbars:

1. Sub-drawbars: Os dois primeiros (marrons) são os sub-tons, inferiores à nota tônica;
2. Foundation-drawbars: Os próximos quatro (preto e branco) são a base, o principal componente do som;
3. Brilliance-drawbars: Os três finais (preto e branco) fornecem o brilho ou maior frequência na combinação de tons.

Utilize os comentários deste post para compartilhar as definições legais de órgãos que você já usou ou já ouviu em alguma música.

Jobert Gaigher

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Drawbars: Parte 2

Os Drawbars são representações de comprimentos de tubos (pense nos órgãos de tubos) para moldar o som. Você pode fazer muitos sons com os drawbars, aproximadamente 253 milhões de combinações possíveis.

Cada drawbar é identificado com uma indicação em polegadas. Por exemplo, o primeiro drawbar branco está marcado como 8’. Esta é uma terminologia que vem dos órgãos de tubo, indicando que o tubo utilizado para produzir o som possuía 8 polegadas de comprimento. Os números de “1” a “8” em cada drawbar representam graus de intensidade – número 1 é o mais suave, e número 8 é o mais forte.

Cada drawbar gera um tom separadamente, e o volume de cada frequência é regulada de acordo com a distancia que o organista tenha puxado controle. Ao puxar um drawbar (na sua direção) você vai aumentar o volume em passos graduais de 0 (sem som) a 8 (volume máximo), e empurrando um drawbar (na direção oposta), você irá diminuir o volume do tom correspondente a este drawbar. Simples, não?

Na verdade, é, uma vez que você perca o medo de manipulá-los.

Faça a seguinte experiência:

1. Certifique-se que todos os Drawbars estejam abaixados (0)

2. Mantenha pressionada a tecla do “C” central.

3. Puxe o primeiro drawbar branco, marcado como 8’, totalmente para fora (8).

4. Mantenha pressionada a tecla do “C” central, e puxe o primeiro drawbar marrom, marcado como 16 ‘, totalmente para fora. Agora você vai ouvir o som de “C” adicionado de um “C” uma oitava abaixo.

5. Agora puxe o segundo drawbar marrom, e você vai ouvi-lo adicionar uma riqueza ao som de “C”.

6. Mantenha pressionada a tecla do “C” central, e ouça cada drawbar separadamente para que você possa ouvir o tom de cada um.

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Vamos agora, analisar as cores dos drawbars: marrom, branco e preto.

Basicamente temos nove drawbars nas seguintes cores (da esquerda para a direita): marrom, marrom, branco, branco, preto, branco, preto, preto, branco.

Os drawbars brancos nos dão as notas tônicas. Cada drawbar branco (mais o primeiro marrom) podem ser combinados para um total de seis oitavas soando enquanto apenas uma nota é pressiona! Sim, ao tocar um acorde de três notas com estes drawbars, você ouve 18 notas ao mesmo tempo!

Os drawbars negros, conhecidos como os harmônicos, são o que fornecem a cor ou dissonância com o tom. Os drawbars negros, juntamente com o segundo drawbar marrom, irão preencher o som para criar os sons de órgãos típicos.

O primeiro drawbar branco é o tom fundamental (ou 8’).

Os dois drawbars marrons à esquerda estão abaixo do tom fundamental. O primeiro é uma oitava inferior (16′) e o segundo é uma quinta acima desta (5 1/3’).

Os drawbars brancos estão todos no mesmo tom, com o primeiro sendo o fundamental, o segundo uma oitava acima (4 ‘), o terceiro duas oitavas acima (2′) e o quarto três oitavas mais altas (1′).

Os drawbars negros irão gerar os harmônicos: A 12ª acima da fundamental (2 2/3′), a 17ª acima da fundamental (1 3/5′) e a 19ª acima da fundamental (1 1/3’).

Outra forma de entender as drawbars é a pensar neles em três categorias distintas. Os Sub-drawbars, Foundation-drawbars e Brilliance-drawbars:

1. Sub-drawbars: Os dois primeiros (marrons) são os sub-tons, inferiores à nota tônica,
2. Foundation-drawbars: Os próximos quatro (preto e branco) são a base, o principal componente do som
3.  Brilliance-drawbars: Os três finais (preto e branco) fornecem o brilho ou maior frequência na combinação de tons.

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O segredo para mudar facilmente as combinações de drawbars está no fato de pensarmos neles em termos de formas, e não números.

Apesar do fato de encontrarmos uma marcação numérica de 1-8 em cada drawbar, a maioria dos organistas preferem memorizar e configurar as configurações de drawbars de acordo com vários padrões de forma. Os mais comuns são: “pistol”, “meia-lua”, “triângulo” e “triângulo invertido”. Ao definir os drawbars de acordo com essas formas, o músico ouve automaticamente flautas, cordas, uma combinação destes, e outros efeitos.

Cabe ao artista determinar qual configuração é adequada para uma música específica. Busque combinações (ou formas) que remetem para o seu estilo e preferência. Explore várias combinações e anote aquelas que soam agradáveis para seus ouvidos. Tenha em mente que você possui cerca de 253 milhões de possibilidades! Se você possui um Clonewell com presets de memória, certifique-se de armazenar seus timbres favoritos para usar mais tarde e/ou alterá-los em tempo real durante a execução.

Para conseguir um som suave, parecido com o órgão presente na música “Fix You” do Coldplay, puxe totalmente os primeiros três drawbars (16 ‘, 5 1/3’, 8 ‘).

Se você quiser um órgão mais rock’n roll, para músicas mais agressivas utilize a configuração anterior como base, e puxe também a maioria dos outros drawbars para 3 ou 4 (cerca de metade).

Cerca de 70 anos após a sua introdução, os drawbars ainda desempenham um papel  importante na produção musical contemporânea, presente em inúmeras gravações e performances. Divirta-se com eles e desfrute dos resultados!

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O post Drawbars: Parte 2 aparece primeiro no Jobert Gaigher.

Meu primeiro contato com um instrumento eletrônico ocorreu quando eu comecei meus estudos com o órgão eletrônico, aos nove anos de idade. Naquele tempo, os modelos de órgãos disponíveis não possuíam os sons orquestrais incríveis e os recursos presentes nos modelos atuais. Organistas estavam “limitados” aos sons gerados através da combinação de nove drawbars, controle de percussão, e dos efeitos do alto-falante Leslie. Limitados talvez não seja a palavra mais adequada, já que há aproximadamente 253 milhões de combinações possíveis de som que podem ser produzidos com a combinação dos nove drawbars.

Confesso que foi uma emoção e um prazer ver drawbars reais no novo Nord Electro 4D (imagem ao lado). Eles são idênticos aos que aparecem nos modelos dos Hammonds que popularizaram o som do órgão eletrônico.

A técnica dos drawbars desempenha um papel fundamental na performance de qualquer organista. Muitos organistas são conhecidos e reconhecidos por alguns dos sons e estilos únicos conseguidos com uma configuração de drawbars específica, como por exemplo, Charles Earland, famoso pela configuração 848800000, ou Groove Holmes, por sua configuração 848000001 (sem percussão). Podemos ainda citar outras lendas como Jimmy Smith, Earl Grant, Walter Wanderley, entre muitos outros.

Mas quando falamos na registração por drawbars, é muito mais comum (e fácil) se guiar pela forma (shape) da configuração visual, ou seja, na forma desenhada pelos drawbars quando estes são puxados para fora. Quando um organista quer um determinado som, ele geralmente não pensa nos números, mas na forma feita pelos drawbars puxados, em relação ao som que ele quer. Na pratica, podemos perceber inclusive quando um organista faz a forma exata das drawbars com a mão puxando todos de uma só vez, e em muitas gravações, podemos ouvir o organista manipular o som com os drawbars em tempo real (com a mão esquerda), segurando um acorde com a mão direita.

Confira abaixo algumas formas populares de configuração dos drawbars:

Pistol – 008400000:

Half Moon – 004555554

Right Triangle – 008776543

Inverted Triangle – 004676543

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Jobert Gaigher
Especialista de Produto

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Jobert Gaigher

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Ao ouvir uma boa música de rock ou blues, você já parou alguma vez para prestar atenção naquele maravilhoso som de órgão no fundo? Bem, há uma grande chance de que esse som venha de um Hammond B3, ou, pelo menos, de um Hammond. O som do órgão Hammond B3 é algo que todo tecladista precisa ter na manga, e pode ser uma grande armadilha, já que todo mundo tem uma boa ideia do que parece ser “bom”.

Os Órgãos Hammond, são instrumentos eletromecânicos que usam rodas de giro e ímãs (como captadores de guitarra) para produzir ondas sonoras. Você pode ler mais sobre isso no artigo da Wikipedia (http://pt.wikipedia.org/wiki/Órgão_Hammond).

Embora o órgão Hammond tenha sido originalmente projetado e vendido para igrejas como uma alternativa de baixo custo ao órgão de tubos, durante as décadas de 1960 e 1970, tornou-se um instrumento de teclas padrão para o jazz, blues, rock, e da música gospel.

Quando os músicos começaram a usá-los em suas composições nos anos 1950 e 60, o som pegou, e está passando agora por um ressurgimento, já que a tendência está voltada para a música analógica.

E para conseguir aquele Som de B3…

Bem, um dos componentes fundamentais para conseguir “aquele” som de órgão B3, é sem dúvida alguma, a Leslie Speaker.

A “Leslie Speaker” é um alto-falante com amplificador, especialmente construído para criar efeitos especiais de áudio usando o efeito Doppler, girando os alto-falantes. É particularmente associada com o órgão Hammond, e podemos dizer que na prática, os dois são partes de uma só coisa. A combinação Hammond / Leslie tornou-se um elemento padrão presente em muitos gêneros de música. Para obter “aquele” som indescritível, você tem que ter o som do órgão atravessando uma “Leslie Speaker”.

Inicialmente, os órgãos não possuíam uma configuração Leslie ‘lenta’. As opções eram ‘rápida’ ou off. A opção Leslie ‘lenta’ só foi adicionada em produções mais recentes após a década de 60, e até os dias atuais, as três configurações se tornaram padrão: Leslie ‘lenta’, ‘rápida’ ou ‘off’.

Os puristas tendem a pensar e defender que só um Hammond B3 original tem aquele som especial, e aí fica bem complicado. Bem, você pode sempre tentar comprar um B3 e uma Leslie Speaker, mas boa sorte. A Hammond não fabrica mais estes modelos desde 1970. Além disso, eles são extremamente pesados e difíceis de mover.

Mas, se você é um músico mais realista, você pode usar um órgão clonewheel. Estes são simulações eletrônicas do sistema tonewheel, e a maioria dos clonewheels vêm com uma simulação de Leslie. Este é o caso, por exemplo, dos teclados da linha Nord. Na minha opinião, os teclados da linha Nord são hoje os melhores emuladores dos órgãos originais, contando inclusive com uma emulação precisa do modelo 122 da Leslie, inclusive emulando os parâmetros de configuração da Leslie original.

Na ausência de um clonewheel físico, você pode também optar por um software – como o VINTAGE ORGANS da NI, incluso no pacote KOMPLETE. Estes são os plug-ins e instrumentos virtuais que fazem a mesma coisa que o clonewheel, mas em seu computador. Você vai precisar de um controlador MIDI para usá-lo bem.

Nas próximas dicas vamos falar um pouco dos drawbars, que são o coração e a alma do som do órgão Hammond.

Jobert Gaigher

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Ao ouvir uma boa música de rock ou blues, você já parou alguma vez para prestar atenção naquele maravilhoso som de órgão no fundo? Bem, há uma grande chance de que esse som venha de um Hammond B3, ou, pelo menos, de um Hammond. O som do órgão Hammond B3 é algo que todo tecladista precisa ter na manga, e pode ser uma grande armadilha, já que todo mundo tem uma boa ideia do que parece ser “bom”.

Os Órgãos Hammond, são instrumentos eletromecânicos que usam rodas de giro e ímãs (como captadores de guitarra) para produzir ondas sonoras. Você pode ler mais sobre isso no artigo da Wikipedia (http://pt.wikipedia.org/wiki/Órgão_Hammond).

Embora o órgão Hammond tenha sido originalmente projetado e vendido para igrejas como uma alternativa de baixo custo ao órgão de tubos, durante as décadas de 1960 e 1970, tornou-se um instrumento de teclas padrão para o jazz, blues, rock, e da música gospel.

Quando os músicos começaram a usá-los em suas composições nos anos 1950 e 60, o som pegou, e está passando agora por um ressurgimento, já que a tendência está voltada para a música analógica.

E para conseguir aquele Som de B3…

Bem, um dos componentes fundamentais para conseguir “aquele” som de órgão B3, é sem dúvida alguma, a Leslie Speaker.

A “Leslie Speaker” é um alto-falante com amplificador, especialmente construído para criar efeitos especiais de áudio usando o efeito Doppler, girando os alto-falantes. É particularmente associada com o órgão Hammond, e podemos dizer que na prática, os dois são partes de uma só coisa. A combinação Hammond / Leslie tornou-se um elemento padrão presente em muitos gêneros de música. Para obter “aquele” som indescritível, você tem que ter o som do órgão atravessando uma “Leslie Speaker”.

Inicialmente, os órgãos não possuíam uma configuração Leslie ‘lenta’. As opções eram ‘rápida’ ou off. A opção Leslie ‘lenta’ só foi adicionada em produções mais recentes após a década de 60, e até os dias atuais, as três configurações se tornaram padrão: Leslie ‘lenta’, ‘rápida’ ou ‘off’.

Os puristas tendem a pensar e defender que só um Hammond B3 original tem aquele som especial, e aí fica bem complicado. Bem, você pode sempre tentar comprar um B3 e uma Leslie Speaker, mas boa sorte. A Hammond não fabrica mais estes modelos desde 1970. Além disso, eles são extremamente pesados e difíceis de mover.

Mas, se você é um músico mais realista, você pode usar um órgão clonewheel. Estes são simulações eletrônicas do sistema tonewheel, e a maioria dos clonewheels vêm com uma simulação de Leslie. Este é o caso, por exemplo, dos teclados da linha Nord. Na minha opinião, os teclados da linha Nord são hoje os melhores emuladores dos órgãos originais, contando inclusive com uma emulação precisa do modelo 122 da Leslie, inclusive emulando os parâmetros de configuração da Leslie original.

Na ausência de um clonewheel físico, você pode também optar por um software – como o VINTAGE ORGANS da NI, incluso no pacote KOMPLETE. Estes são os plug-ins e instrumentos virtuais que fazem a mesma coisa que o clonewheel, mas em seu computador. Você vai precisar de um controlador MIDI para usá-lo bem.

Nas próximas dicas vamos falar um pouco dos drawbars, que são o coração e a alma do som do órgão Hammond.

Jobert Gaigher

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