Quando se trata de produção musical, há uma série de mitos e desinformação que circula por aí. Pergunte a 10 pessoas por um conselho, e você obterá 10 respostas diferentes. Alguns vão lhe dizer para aprender teoria musical, outros que não. Alguns podem dizer que você deve usar o Pro Tools, outros o Logic.

Para cada “regra” você vai encontrar alguém que nega.

Porém, em um esforço para obter algum esclarecimento, separamos 5 mitos de produção musical mais destacados:

#Mito n º 1:

Você precisa de um equipamento de estúdio profissional e um monte de dinheiro.

Por que é um mito?
R>: Tudo é digital agora. O seu computador portátil, um par de monitores de estúdio e uma placa de som minimamente razoável é tudo que você precisa para fazer música.

#Mito n º 2

Usando uma estação DAW especial vai fazer suas mixagens ter um som profissional

Por que é um mito?
R>: Em geral, todos os sistemas fazem a mesma coisa, mas de maneira diferente. As principais diferenças entre as DAWs estão em seus fluxos de trabalho e coleções de synth/plugins e samplers iniciais. No final, o resultado final dependerá sempre de seus ouvidos e habilidades.

#Mito n º 3

A Masterização vai fazer um mix ruim resultar em um ótimo som

Por que é um mito?
R>: Muita gente acredita que masterização é como uma varinha mágica que vai fazer uma trilha sonora mal mixada soar perfeitamente. Infelizmente, se a sua mixagem soa mal, mesmo o melhor engenheiro de masterização contando com os melhores periféricos não será capaz de fazer milagre.

#Mito n º 4

Possuir muitos Plugins é a chave para o sucesso

Por que é um mito?
R>: Possuir todos os plugins disponíveis não fará de você um produtor melhor. Na maioria dos casos, um bom pacote de plugins será mais do que o suficiente para suas necessidades. Basicamente, você só precisa ter plugins que são utilizáveis​para as suas necessidades ou estilo de música.

#Mito n º 5

Produtor Musical precisa de conhecimento de teoria musical

Por que é um mito?
R>: Sim, a teoria é importante e sempre ajuda, mas para ser sincero, e com base na história, você não precisa saber teoria musical ou tocar um instrumento e ser um músico para poder produzir música. Mas será essencial que possua um bom ouvido e bom gosto para a música, e se tiver intenção de produzir música eletrônica, terá também que dominar as ferramentas tecnológicas disponíveis hoje, tanto de produção como de distribuição da música produzida.

Jobert Gaigher

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Gostaria de ler um livro sobre a história da música brasileira, escrito por um dos maiores Gênios da música brasileira?

Leia: Solo – Memórias – Cesar Camargo Mariano 

Solo é livro obrigatório em todos os sentidos: para quem quer conhecer a história de uma época de ouro na música brasileira; para quem quer se inspirar; para quem quer apenas ler uma ótima história de vida; para quem quer beber um pouco da sabedoria deste grande Gênio da nossa música brasileira contemporânea. Definitivamente, Solo é livro obrigatório para qualquer músico. Confesso ter lido o livro com todas essas intenções. Confesso que não me surpreendi com a qualidade da obra, pois já conhecia o compromisso que este homem possui com a estética, e tudo o que vem da mão dele, é ouro. Mas confesso também que chorei muito, pois sou desses que choram quando se deparam com algo muito belo.

Cesar Camargo Mariano é um desses raros artistas que possuem o dom de “encantar” uma multidão e pessoas sem ao menos ser notado, e por consequência, “enlouquece” aqueles que o percebem por traz da sua mágica. Como todo artista genial, Cesar é multi-artista: Pianista excepcional, compositor, arranjador, artista-plástico, escritor, e por aí afora. Mas como arranjador e produtor, Cesar foi o responsável pelas mais belas obras já produzidas na música  brasileira, e literalmente imortalizou a obra de artistas consagrados, como Elis Regina, Gal Costa, Maria Bethânia, Simone, Rita Lee, Leny Andrade, Beth Carvalho, Ivan Lins, Milton Nascimento, Joao Bosco, Gal Costa, Chico Buarque, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Maria Bethania, Nana Caymmi, Djavan, Jorge Benjor, Wilson Simonal, Simone, Armando Manzanero, Sadao Watanabe, Leila Pinheiro, Ivete Sangalo, Jair Rodrigues, entre muitos e muitos outros. E tudo isso, discretamente, sem chamar muita atenção. Comum no meio artístico dizer que tudo o que passa pelas mãos do Arranjador Alquimista, se transforma em ouro, como mágica! E é neste sentido que reafirmo que o Cesar “encanta” sem ser notado, e “enlouquece” aqueles que são conscientes de sua presença atrás dos panos.

Eu mesmo, conheci Cesar quando já era encantado por ele, e ainda não sabia. Era 1985, quando tinha apenas 11 anos e estava dando os primeiros passos nos estudos de música,  e aconteceu o “Festival dos Festivais” da Globo. Cesar não apenas dirigiu o festival, mas compôs o tema de abertura, chamado “Fest Wave”. Claro que fiquei louco… Daí veio “MITOS”, “PONTE DAS ESTRELAS”, “PRISMA”, “TODAS AS TECLAS”, “SAMAMBAIA”! Faz 30 anos que Samambaia, Curumim, Salamanca, Dom Quixote, Guaicá, e centenas de outros sons maravilhosos que me tiram o sono até hoje! Durante muito tempo, estudar música era quase sinônimo de estudar Cesar! E é fácil de encontrar por aí, milhares e milhares de músicos com uma história muitíssimo parecida com a minha. Cesar é a referência das referências!

Solo é uma ótima oportunidade para ficar à sós com o Mestre, e ouvir algumas de suas histórias maravilhosas, que ele separou cuidadosamente para nos contar, e elevar nossas almas, e ao mesmo tempo deixar esse maravilhoso documento registrado em nossa história.

No livro também é possível apreciar uma faceta pouco conhecida de Cesar que é seu talento com ilustrações. São belíssimas e possuem uma grande força expressiva, e não apenas ilustram o livro, mas ajudam a contar a história de uma maneira bem subliminar.

Ave Cesar!

Jobert M. Gaigher
Equipe Quanta Brasil

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Sempre que encontro o meu eterno Mestre e hoje também um amigo, Cesar Camargo Mariano, confesso que fico com cara de bobo, ouvindo com deleite e atenção suas histórias maravilhosas sobre música… Certa vez, em Araraquara, em frente o SESC (ali na calçada – pra fumar um cigarrinho e contar “causos”), tive o prazer de ouvi-lo contando sobre sua visita à fábrica de pianolas no México… Foi uma verdadeira aula sobre a história do “piano roll” e como isso influenciou totalmente na maneira com que os softwares MIDI contemporâneos funcionam… Nesta curta animação procurei reproduzir um pouquinho daquele nosso papo sobre a história da tecnologia musical…Vale a pena ver…Esse vídeo foi feito originalmente para um projeto educacional da Quanta, que compartilho com vocês aqui.

“Esta é uma breve história do sequenciador MIDI, desde as pianolas até os softwares contemporâneos…”

Ave Cesar!

por Jobert Gaigher

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Para gerar ou moldar os sons, um sintetizador analógico combina circuitos controlados por tensão elétrica, tais como osciladores, filtros e amplificadores, e a síntese analógica de sons baseia-se na manipulação dos sinais emitidos por esses circuitos. A partir de 1900, foram inventados os primeiros instrumentos eletrônicos, precursores dos sintetizadores modernos. No início, os sintetizadores modulares eram enormes, caros, complicados, delicados, e por tudo isso, não eram ideal para performances ao vivo. A popularização desse tipo de instrumento aconteceria a partir da década de 70, com a invenção do Minimoog, que foi concebido para incluir as partes mais importantes de um sintetizador modular em um pacote compacto e mais acessível. O Minimoog acabou estabelecendo um padrão que se tornaria a base dos sintetizadores contemporâneos. Em primeiro lugar, o sinal viaja através dos osciladores controlados por tensão (VCO – Voltage Controlled Oscillator). O VCO determina a frequência de oscilação e é controlada através da alteração da tensão de entrada CC. Em seguida, entra em ação o filtro controlado por tensão (VCF – Voltage Controlled Filter). O VCF altera o nível de corte via low-pass, high-pass, bandpass, ou notch filter. Isso adiciona ou remove harmônicos no sinal originalmente oscilado. O componente de base final é o amplificador de voltagem controlada (VCA – Voltage Controlled Amplifier). O VCA é manipulado através de um controle de tensão (CV – Control Voltage), e determina a intensidade do sinal emitido. Muitos outros componentes, incluindo osciladores de baixa frequência (LFO – Low Frequency Oscillators), geradores de envelope, moduladores de frequência (FM), e outros processadores de efeitos podem ser adicionados para alterar ainda mais o sinal básico. Jobert Gaigher Especialista de Produto

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Já dizia o velho guerreiro: Quem não se comunica, se trumbica… Pois é, atualmente, além de investir tempo com o aprimo

• Soundcloud Promoções
• SoundCloud
• Músico DIY

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Com a promulgação da Lei nº 11.769/2008, que altera a LDB de 1996 tornando a música conteúdo obrigatório nas escolas brasileiras, se intensificaram as discussões  e debates sobre esse tema. Inúmeros estudos, pesquisas e artigos, comprovam a importância da música no contexto escolar, bem como sua importância para o processo de ensino e aprendizagem em geral. A música é um importante meio de comunicação e expressão existente em nossa vida, e por isso, sua inserção no contexto escolar foi regulamentada por uma Lei Federal. A música é uma linguagem que todos os alunos precisam conhecer. Pesquisadores da teoria das inteligências múltiplas afirmam que a habilidade musical é tão importante quanto a lógica-matemática ou a lingüística, por auxiliar outros tipos de raciocínio. Pesquisas na área de neuro-ciências comprovam que a memória, a imaginação e a comunicação verbal e corporal ficam mais aguçadas nas pessoas que escutam,estudam e praticam a música. Esse artigo busca a reflexão quanto aos modelos de educação musical adotados nas escola da rede pública e privada e pretende instigar uma discussão mais abrangente sobre a importância dos meios e da diversidade na educação musical, para a formação dos futuros cidadãos.

A revolução digital é um acontecimento de nosso passado remoto, e hoje, já vivenciamos o mundo afetado por essa revolução, tentando compreender e se adequar a esses primeiros anos da era digital. O crescimento da indústria tecnológica e o forte apelo motivacional destes mundos digitais trazem grande interesse por jogos, mídias e programas de fácil acesso para as crianças, jovens e adultos. A maneira de se produzir, publicar e consumir musica, mudou radicalmente nos últimos 10 anos. Nunca se produziu tanta música, nunca se divulgou tanto esta arte, como nos dias atuais. A música é hoje um objeto largamente consumido por todos; mas esse fato não se deve ao crescimento do interesse das pessoas em produzir e ouvir musica, mas sim, ao fato de que as pessoas estão tendo mais acesso aos meios de produção, distribuição e reprodução musical. Toda sociedade produz música, mesmo as iletradas. Mas na civilização Ocidental, há que se observar o enorme poder exercido por essa arte na sociedade. A musica está em todas as partes. A questão chave, é que praticamente toda a musica consumida nos dias atuais, passa por um computador.

A Música na escola tem a missão de formar cidadãos plenos, capazes de exercer sua cidadania. Diante dessa missão, se faz necessária uma discussão profunda, no sentido de tornar o ensino da música nas escolas mais abrangente, atrativo e eficiente, alinhados com o novo cenário mundial e com as necessidades de nossos jovens.

Hoje em dia, o computador é praticamente imprescindível nos processos de produção, distribuição e reprodução musical. Grande parte da musica produzida atualmente é realizada em estúdio caseiros, e apenas uma pequena parte da musica consumida passa pelos grandes estúdios de gravação e pela mídia central. O formato de áudio conhecido como CD (compact disc), substituiu o long play (LP), vem perdendo definitivamente sua força, com a possibilidade de que esse conteúdo pode ser baixado gratuitamente.

Diante da internet e da explosão de compartilhamento de musicas na rede, as grandes gravadoras não vendem mais como vendiam antes. Mas isso, de forma alguma, significa a perda do valor cultural da música, ou que a indústria da música em geral está em colapso. O surgimento de novos artistas e bandas, impulsionados sobretudo pelo acesso às tecnologias digitais de gravação, com as quais é possível produzir música a partir de um computador pessoal, a um nível de qualidade muito próximo ao alcançado pelos grandes estúdios profissionais. Isso indica um florescimento de uma nova indústria da música, nunca antes visto.

“A música é fonte de vida, e o ensino da musica deveria constituir uma iniciação à verdadeira aventura do ser e significar.”

Musicalização é um processo cognitivo que contribui entre outras coisas, para o desenvolvimento psicomotor, sócio afetivo e lingüístico. Em muitos países, a educação musical é considerada fundamental na formação do indivíduo, e é utilizada não apenas com o intuito de preservar as suas raízes culturais, mas para promover e auxiliar no desenvolvimento das múltiplas inteligências do aluno, bem como desenvolver habilidades intelectuais específicas, e o Brasil deveria seguir esse exemplo.

Nesse cenário, o estudo da música que leve em conta apenas a “velha escola” da produção musical voltada à comercialização de discos, se mostra extremamente incompleta, já que as principais atividades geradoras de novos conteúdos musicais encontram-­se cada vez mais fora dos processos convencionais. Portanto, não só artistas e profissionais do mercado musical, mas também os pesquisadores e educadores musicais, necessitam de uma análise mais abrangente da cadeia de produção da música atual, para além das fronteiras da indústria fonográfica tradicional, para que novos modelos e formas de produção musical, mais adequados ao momento atual, sejam promovidos também na sala de aula.

Música no Computador

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